“Yo me considero una especie de outsider dentro del cine colombiano”

 

Entrevista a Luis Ospina en el marco de su visita a Buenos Aires invitado en abril por el BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente)

 

Cubrimiento especial para Buen Ayre Visual (Argentina) y La Pajarera del Medio (Colombia)

 

G Jaramillo Rojas: Significado e influencia del Mayo Francés en usted y en el Grupo de Cali.

Luis Ospina: Yo terminé el colegio en Boston y me gradué en mayo del 68. Fui a Colombia ese verano y mis amigos y la gente en general estaba politizándose. La realidad es que a Colombia todo llega tarde y mayo del 68 llegó en el 71, año en el que se consolidó el hipismo y hubo importantes revuelas estudiantiles en el país. Después yo me devolví pero para California  y ahí sí encontré un centro de ebullición importantísimo, aunque no tan político como lo fue en Francia. Allí había vertientes libertarias y propiamente anti sistémicas. Por un lado estaban los hippies, las Panteras Negras y el movimiento Chicano y por el otro los Yippies. Estos últimos eran como anarquistas y hippies al mismo tiempo. Hoy nadie se acuerda de ellos. Su líder era el excéntrico Abbie Hoffman, el famoso activista social que tenía muy buena relación con gente como los Beatniks en especial con Allen Ginsberg. Los Yippies eran como Dadaístas. Por ejemplo, uno de ellos sacó un libro que se llamaba róbese este libro en el que uno podía leer artículos sobre cómo vivir gratis, ya fuera con las tarjetas de crédito de otras personas o aprovechando los lugares y eventos en los que daban buena comida. Ese movimiento tuvo un final trágico porque Abbie Hoffman estuvo prófugo de la justicia y cuando lo agarraron el tipo se suicidó. De todo eso que yo viví por mi estancia en Estados Unidos, la gente en Cali no tenía ni idea. Aunque el hipismo se había desarrollado fuertemente todavía era visto como algo loco y juvenil pero imposibilitado para cambiar algo. Fue en el año 71, en el Festival de Ancón (Antioquia), que se hizo un Woodstcok a lo colombiano, en el que se visibilizó formalmente el hipismo a la par que se desarrollaban movimientos políticos, sobre todo de izquierda, como el hegemónico Partido Comunista, en el que nacieron los famosos mamertos, que ahora la gente cree que son otra cosa, cuando la realidad es que se les llamó así porque los grandes líderes de la línea soviética de  ese partido se llamaban extrañamente Filiberto, Gilberto, Alberto, etc. Ahí también surgió el movimiento trotskista, el maoísta y el MOIR. Surgieron básicamente para polarizar a la juventud entre esas tres tendencias ideológicas. Más específicamente en Cali,  existía el café de Los Turcos cuya demolición sale al principio de Todo Comenzó por el Fin. Ahí coincidían las tres líneas mencionadas y otras tantas contradictorias y era frecuentado por artistas y personajes de la cultura caleña, así como por comunidades árabes y judías y, desde luego, nosotros. Lo curioso de Los Turcos era que todos nos tolerábamos entre sí  pero evitábamos relacionarnos porque el fervor de las ideas era tan radical que, para evitar enfrentamientos que superaran lo verbal, todo desembocaba en la insociabilidad. Por esos años mi amigo Hernando Guerrero, perteneciendo a la juventud comunista, fundó Ciudad Solar y alrededor de ella se generó una suerte de comunidad hippie liderada por Carlos Mayolo que también pertenecía a la juventud comunista y Andrés Caicedo que no pertenecía a nada igual que yo. En lo personal yo venía más identificado con ideas anarquistas, ideología muy mal vista sobre todo por la izquierda de esos días que era muy represiva y dogmática. En ese entonces si pertenecías a algún partido no podías escuchar rock and roll, ni fumar marihuana ni hablar abiertamente de sexo. Eso por lo menos en Cali.

 

GJR: ¿Llegaron a relacionarse con los Nadaístas?

LO: Con ellos tuvimos una relación de conocernos pero ellos eran mayores. Mayolo, como era el más grande de todos nosotros, sí los llegó a frecuentar porque cuando los echaron de Medellín se fueron para Cali y fue allí donde el movimiento se fortaleció. Lo interesante de Cali a finales de los 60s y principios de los 70s era que había una vida  cultural muy amplia. Estaban el festival de arte, el de vanguardia, el contra festival que era de los nadaístas, las famosas bienales de arte gráfica, etc. También surgió un movimiento alrededor del museo de la tertulia. Digamos que la generación nuestra es hija de ese contexto que vino un poco antes de nosotros y que significó muchas cosas. En los festivales, por ejemplo, había cine que, aunque no era mucho, se exhibían cosas que no circulaban comercialmente y que tenían cierto renombre afuera. El museo de la tertulia tuvo un cineclub, lo cual demuestra que nosotros no iniciamos el movimiento cineclubista en Cali. Con los nadaístas había ciertas cosas en común como el hipismo. Por ejemplo,  Gonzalo Arango en la última etapa de su vida se volvió un hippie total, se embobó con su escritura y se casó con una hippie inglesa que se llamaba Angelita que después me vine a enterar que había sido novia de un primo mío que fue uno de los pioneros del rock en Bogotá. Con los nadaístas lo que más compartíamos fueron los dealers. Esa fue la herencia que nos dejaron. Recuerdo un lugar en Cali que era frecuentado por mucha gente. Le decían donde el negro Efraín, ahí se escuchaba y se tocaba Jazz y se iba a hablar y, también, se vendía marihuana. A Andrés, específicamente, no le gustaban los nadaístas como escritores, y en general los demás no los admirábamos tanto.  

 

GJR: ¿La obra de Andrés Caicedo inaugura la temática urbana dentro de la literatura colombiana?

LO: Antes de Que viva la música ya se habían escrito novelas urbanas, un poco forzadas digamos, como Aire de Tango de Manuel Mejía Vallejo, pero la literatura urbana para jóvenes en el país sí la inicia Andrés con su obra. Antes la literatura era más que todo costumbrista. Todo sucedía en el campo. Autores como Tomás Carrasquilla e incluso el mismo García Márquez. Desde luego en ese momento todo el mundo andaba influenciado por el Boom Latinoamericano. Andrés se leyó todo lo que se tenía que leer del Boom. De eso él mismo dejó constancia en un cuaderno donde apuntó todos los libros que leyó y, además, hizo una reseña de cada libro. Él leyó muchísimo.

 

GJR: ¿Alguna influencia del existencialismo en el grupo?

LO: Todo eso influenció más a los nadaístas que a nosotros. Ellos copiaron el existencialismo de Jean Paul Sartre de una forma chistosa. Era muy gracioso ver gente con boinas negras y chaquetas negras en una ciudad como Cali en donde hace tanto calor. Era como un existencialismo un poco folclórico.

 

GJR: ¿Los primeros documentales comprometidos con la realidad y la trasformación social fueron los de Marta Rodríguez y Jorge Silva?

LO: Lo que pasa es que a fines de los 60s la primera película política, o digamos la primera película directamente panfletaria, fue Camilo, de Diego León Giraldo. Él era de Sevilla, Valle del Cauca y había estudiado sociología y antropología. Diego hizo esa película a los pocos días de la muerte del cura y tiene una duración de más o menos 6 minutos y es, básicamente, un producto de agitación política. El caso es que esta película marca el inicio de un cine militante en Colombia. Cuando Mayolo y yo estábamos haciendo nuestros primeros pasos en el cine, sobre todo Mayolo, que fue un autodidacta que provenía de la publicidad, él hizo una película brevísima hoy desaparecida que se llamaba En grande sobre una siderúrgica del Pacífico y sus trabajadores y con todo el discurso social de la época, etc. Retomando lo de la película de Diego León Giraldo lo que quiero resaltar es que sólo después de ella fue que personas como Carlos Álvarez y la pareja Rodríguez-Silva empezaron a hacer películas de ese estilo y que Chircales no fue la primera película militante del país como muchos piensan.

 

GJR: ¿Qué relación tuvo el grupo con generaciones anteriores de cineastas?

LO: En ese momento los cineastas en el país estaban contados con los dedos de la mano. Había algo que se llamaba la generación de los maestros. Era gente mayor que había estudiado cine en el exterior como Julio Luzardo que pasó por la misma escuela mía en Estados Unidos, Jorge Pinto y Francisco Norden estudiaron en Francia y Guillermo Angulo estudió en Italia. Esa es la generación anterior a la nuestra. Pero ellos se dedicaron a un cine comisionado por empresas, institucional y gubernamental, ya que no había plata para hacer cosas independientes. Cuando llegamos nosotros rechazamos esa actitud de la generación de los maestros. Incluso en esa época no había consciencia del cine colombiano ya que esta idea sólo surgió cuando se fundó la cinemateca distrital en el año 73. Ese año se hizo un ciclo de todo lo que se pudo reunir de cine colombiano dirigido por Isadora de Norden la esposa de Francisco Norden. Este ciclo fue la primera oportunidad para que nosotros pudieramos ver la historia del cine colombiano. Por eso el primer número de Ojo al cine está dedicado al cine colombiano porque en ese momento ya podíamos hablar con cierto conocimiento sobre lo que nos había precedido. Ese ciclo después lo replicamos nosotros en el cineclub de Cali y fue con base en él que Ramiro Arbeláez y Carlos Mayolo escribieron el artículo secuencia crítica del cine colombiano. En algún momento yo intenté hacer la primera filmografía del país, documento que si uno revisa ahora debe resultar risible por la ignorancia de muchos títulos. En ese tiempo aún no había salido el libro de la historia del cine colombiano de Hernando Martínez Pardo que fue el primer libro que se ocupó de trazar la historia del cine local. Lo que sucedió con nosotros cuando vimos todas esas películas fue que nos dimos cuenta que habían ciertos cineastas que eran rescatables y ahí decidimos hacer entrevistas a fondo con algunos realizadores como José María Arzuaga, que había hecho una película muy importante llamada Pasado el meridiano que en nuestra opinión era la primera película moderna dentro del cine colombiano en el sentido de que ahí había una reflexión sobre el hombre urbano. Arzuaga no hacía películas de bambucos y alpargatas y bailes sino que era un tipo que vivía la alienación del hombre moderno en una ciudad como Bogotá. Él venía de España huyendo de Franco e influenciado por el neorrealismo italiano como sucedía con todo el cine español de los 50s. Arzuaga alcanzó a hacer otra película en Colombia que se llama Raíces de Piedra pero, hay que decir que sus películas son malogradas y muy imperfectas. Si uno ve Pasado el meridiano, digamos hoy, parece casi una película de vanguardia por la forma tan machetera en la que está hecha. Toda esta imperfección tenía su respuesta en que los medios para hacer cine de la época no sabían que existía o no daban económicamente para hacer un sonido sincrónico, sino que se filmaba y después se doblaba pero no con perfecto lip sync sino que era un desmadre completo. Raíces de piedra tuvieron que doblarla en España, entonces quedó como una película de colombianos hablando como españoles. Fue justamente por esos años que Marta Rodríguez y Jaime Silva hicieron la película Chircales muy influenciados por el pensamiento camilista, ya que el cura había sido amigo personal de Marta que a su vez venía de estudiar cine en Francia con el antropólogo y cineasta Jean Rouch.

 

GJR: ¿Cómo empezaron a asumir ustedes la responsabilidad de hacer cine?

LO: Nosotros hacíamos las cosas a nuestro parecer y no ligábamos nuestras películas a partidos ni a causas, aunque hayamos comenzado haciendo cine de denuncia con películas como Oiga, vea, nunca quisimos quedarnos ahí. Lo cierto con el grupo de Cali fue que gradualmente fuimos padeciendo un desencanto por la izquierda, auspiciado por todo esto que prometió la revolución cubana y la caída del gobierno de Salvador Allende. Aunque también es cierto que realmente siempre nos interesó mucho más el cine como forma de pensar y actuar que como excusa política.

 

GJR: ¿Cómo hicieron para que la fiesta y la noche no se los llevara?

LO: Los 80s fue el periodo más intenso y en el que no paramos de trabajar. Esos fueron los años de la energía de la cocaína, el alcohol y la fiesta. Esa década, sobre todo al principio, fue de mucho festejo hasta que apreció el sida y ahí comenzaron a cambiar las cosas. Ahora la gente cuando tenía relaciones sexuales tenía que pensar en la muerte, cosa que anteriormente no nos pasaba a quienes teníamos ideas muy libertarias sobre el sexo. En el nuestro grupo se consumía porque eso permitía por ejemplo que pudiéramos trabajar sin parar. Trabajábamos mucho por la noche o planeábamos rodajes de 24 horas. Yo, por ejemplo, montaba todas las películas de noche. Vivíamos al revés. Como unos vampiros. Desde luego algunos supieron manejar las cosas y otros no. Porque no tanto son las drogas sino quién se las mete.

 

GJR: ¿Cómo fue la relación de Andrés Caicedo con la droga?

LO: Siempre ha habido un malentendido con la relación de Andrés y la droga. Yo a él lo conocí en el 71. Él tenía 20 años y yo tenía 22. Ese Andrés era súper disciplinado. Por esos días le oí una diatriba en ciudad solar contra la marihuana, porque en esa comuna existía esa pasividad hippie de dejar pasar las cosas con una actitud despreocupada y acrítica y él, en cambio, era una persona muy activa y disciplinada, se levantaba muy temprano a escribir y no era un drogo. Ya después cuando comenzó a consumir, en los últimos tres o cuatro años de su vida, él no pudo manejarse y si a esto le sumamos su patología suicida, el resultado no podría haber sido otro. Para nadie del grupo fue una sorpresa que él se suicidara. Y más cuando había tenido dos intentos fallidos. De hecho Todo comenzó por el fin trata, entre otras cosas, sobre los procesos de autodestrucción de los años 70s y 80s., que se llevaron a Andrés en el corto plazo y a Mayolo en el largo, como si hubiera sido una especie de suicidio continuado durante 35 años.

 

GJR: ¿Quién funda el cine horror en Colombia?

LO: Hay que reconocerle a Jairo Pinilla que hizo Funeral Siniestro la primera película de horror en Colombia. Él también es caleño, cosa que vinimos a descubrir nosotros muchos años después. Jairo es el padre del cine de horror en Colombia, sobre todo porque en ese tiempo casi no se hacían películas de género en el país y apostarle a una era muy arriesgado. Sin embargo, sí hubo intentos de hacer westerns colombianos como los casos de El Taciturno de Jorge Gaitán y Aquileo Venganza de Ciro Durán. Y si no se hacían películas de género mucho menos se pensaba en el horror. Nosotros empezamos con Pura Sangre, película que ahora es señalada como la que inicia el gótico tropical, aunque esa etiqueta  nunca se le ocurrió a nadie del grupo. El gótico tropical surge con la mansión de Araucaima de Álvaro Mutis cuyo subtítulo dice textualmente relato gótico de tierra caliente. Y cuando Mayolo hizo la Mansión pues todo el mundo creyó que él había inventado ese género.

 

GJR:¿Cómo surge el mote de Caliwood?

LO: Nadie dijo vamos a llamarnos así. Eso se dio un día con un chiste que alguien echó: si en la India hay un Bolliwood porqué acá no puede haber un Caliwood. Fue un chiste que perduró y ahora incluso hay un museo de cine en Cali que se llama así.

 

GJR: ¿Nunca sufrieron algún tipo de censura?

LO: Mayolo y la rata Carvajal fueron arrestados por hacerle un epílogo a Oiga, Vea. Había mucho temor del cine en esa época. Ya en cuanto a la censura nosotros la sufrimos con la película Asunción porque decían que era apología del delito. Con Pura Sangre hubo cierto temor con que fuera censurada porque tenía cosas que eran bastante fuertes en ese momento como relaciones homosexuales, droga, impunidad. En Medellín cuando se pasó Pura Sangre destrozaron las sillas del teatro Junín y el público se quejó de que había mucho marica. Censura de verdad sí la sufrió Fernando Vallejo. Cuando él trató de hacer sus películas Crónica roja y La tormenta, en Colombia le cerraron las puertas, nadie lo apoyó y las autoridades no lo dejaron. Después se fue a México y ahí pudo hacerlas.  

 

GJR: ¿En su obra desde cuándo empezó a usar el material de archivo como estratagema narrativo?

LO: Para mí haber conocido el cine de Bruce Conner fue una iluminación. En la universidad el cine de él me marcó mucho. Sobre todo una película que se llama A Movie que fue la primera película que yo vi hecha completamente de material de archivo. Ahí aún no había visto la película de Esfir Shub  La dinastía de los Romanov que había sido hecha en los años 20s que es la primera película de la historia hecha con sólo material de archivo. Desde que lo descubrí yo empecé a usarlo y su predominio se nota muchísimo en mi trabajo. En el año 71 hice, con materiales encontrados, una película experimental de un minuto que se llama El bombardeo de Washington. Esta película sale incluida dentro de Un tigre de papel pero asignada a Pedro Manrique Figueroa ya que ese había sido, según él, el primer collage cinematográfico del país.

 

GJR: ¿Cuál podría ser la película ascendente de Un Tigre de Papel?

LO: El ascendente de Un Tigre de Papel es Agarrando Pueblo. Aunque directamente en ese momento no se hablaba de falso documental, nosotros con Mayolo intuitivamente llegamos a él haciendo esa película. Pero realmente el falso documental comienza con el Ciudadano Kane, con las escenas del principio en donde se hace un noticiero a partir del personaje y esto, a su vez, tiene su precedente en la transmisión radial de la guerra de los mundos de Orson Welles.  El falso documental entró en boga fue en los años 80s. Cuando yo hice Un Tigre de Papel ya había muchos referentes sobre manipulación de material de archivo para hacer que las imágenes dijeran otra cosa, como el caso de Cris Marker y su película Carta de Siberia.

 

GJR: ¿A qué cree que se debe el creciente interés por el documental en Colombia?

LO: Por un lado se debe a condiciones económicas ya que hacer documental siempre ha sido más barato que hacer ficción. Por otro lado, la revolución tecnológica que comenzó a mediados de los 80s con la aparición de las cámaras livianas influenció mucho. Ahora todo el mundo tiene acceso a una cámara y por ende es muy fácil hacer cine. Por eso es que hay tanto cine y tantas películas malas. El documental en Colombia sí ha tenido un auge importante. Por ejemplo en Cali, ciudad que ha sido vanguardia en temas de documental desde muy temprano, supimos aprovechar el advenimiento del video y la desaparición del fílmico. Eso fue a mediados de los años 80s, los mismos años en los que comenzaron a crearse los canales regionales, entonces, la Universidad del Valle, de la cual yo fui el primer profesor de cine en el año 79, más o menos desde mediados de los 80s tuvo un programa documental semanal en el canal regional Telepacífico. Esto fue una experiencia increíble, yo creo que se hicieron más de seiscientos documentales, casi todos de corte urbano. Digamos que rompimos con esa tradición documental que permanecía muy ligada a las ciencias sociales y por ende a cosas de indígenas, campesinos, etc. Esta forma de especialización en documental urbano se dio porque en Cali, algo que sí tuvimos en común los artistas, fue una preocupación por los cambios que estaba viviendo la ciudad sobre todo a propósito de los juegos panamericanos de 1971. En eso coincidimos todos sin ponernos de acuerdo. En Ciudad Solar también se desarrolló un movimiento interdisciplinario donde había de todo. Otra cosa que se dio en Cali, a finales de los 80s, fue el programa Rostros y Rastros que fue muy importante para desarrollar la escuela documental de la ciudad porque el ejercicio de hacer un documental semanal era un reto además de una posibilidad para que los estudiantes pudieran hacer las cosas y tener la oportunidad directa de salir al aire por Telepacífico. Eran documentales que tocaba hacerlos en tres días de rodaje y dos días de montaje y pues eso estableció también una disciplina. Yo hice el piloto de ese programa y después, con Oscar Campo que era docente de la Universidad del Valle, seguimos con el proyecto que terminó siendo un espacio para que todos los directores caleños que hoy conocemos como Jorge Navas, Carlos Moreno, César Acevedo, William Vega, etc., pudieran presentar sus primeros trabajos. Realmente toda esa tradición cinéfila que nosotros empezamos en los años 70s sirvió para que la cinefilia tuviera continuidad en la Universidad del Valle.

 

GJR: ¿Para hacer la gran película sobre Colombia qué género escogería?

LO: No sería ficción. Yo prácticamente me olvidé de hacer ficción, no me interesa. Yo me considero una especie de outsider dentro del cine colombiano aunque he hecho de todo. Me aparté un poco del cine industrial, de la ficción y en general del cine que hay que hacer con mucho dinero, también porque hubo proyectos míos que se quedaron en la gaveta y, también, por la mala experiencia que uno tiene cuando hace ficción que tiene que ver con toda la etapa posterior a la película, que es meterla en los cines, el fracaso económico, los problemas de la distribución. Yo me fui más por un cine de cámaras pequeñas, por un cine que cada vez es más casi que unipersonal como es evidente en películas como Un tigre de Papel y la Desazón Suprema, que son películas hechas por una sola persona, excepto en el montaje porque yo no sé cómo operar los programas de edición. Entonces mi oficio es el de documentalista. Yo no haría la gran película sobre Colombia, ni me interesaría. Colombia como tema realmente no me llama la atención, yo prefiero personas, personajes, grupos. Eso de Colombia es lo que va  a proliferar ahora con todo esto de la paz y el posconflicto y vamos a estar invadidos con películas que van a tratar de decir que la paz es esto o aquello. Además le están metiendo mucha plata a un proceso de paz que va a salir más caro que el proceso de la guerra completa.

 

GJR: ¿Qué no se puede filmar?

LO: Todo se puede filmar con su debido respeto. Depende de la honestidad del cineasta. A mí el tema de la ética del cineasta me ha llamado mucho la atención desde Agarrando Pueblo porque el acto de dejarse filmar es el acto de mayor generosidad que puede brindar un ser humano a otro y del cineasta depende si le es fiel a esa persona o no. Yo he tocado temas que pueden bordear lo no filmable como es la muerte como en el caso de la película que hicimos con Lorenzo Jaramillo en la que por ejemplo, cuando él estaba al borde de la muerte, hubo cosas que filmé y después decidí no usar por respeto a él.

 

GJR: Un puñado de películas para mostrarle a alguien que no tiene ni idea del cine nacional.

LO: Al ser yo parte del cine colombiano es un poco difícil ponerme en esa situación porque yo, desde luego, incluiría alguna película mía y de Mayolo, por ejemplo Agarrando Pueblo no se podría quedar afuera de la selección porque además ha adquirido cierta importancia académica en las escuelas de cine como la tenía en mi época el Acorazado Potemkin que nos tenía a todos cansados. Pero digamos que de la prehistoria del cine colombiano yo si puedo decir algunos títulos indispensables como Garras de Oro que es la película muda mejor realizada y más importante que se hizo en el país. Cooproducciones como Semáforo en Rojo de Julián Soler, también incluiría Pasado el meridiano de José María Arzuaga, El río de las tumbas de Julio Luzardo que fue quizá la primera película que tocó directamente el tema de la violencia en el país y lo hizo con V mayúscula. Pero ya digamos después de los 70s no quiero opinar mucho porque mi carrera ya lleva 45 años y mucho se ha hecho en ese tiempo. Ya es el tiempo el que dirá.

 

GJR: ¿Algún proyecto en mente ahora después de Todo Comenzó por el fin?

LO: Por ahora la verdad que no, seguir acompañando a Todo Comenzó por el Fin en su proceso de aprender a caminar solita porque las películas son como los hijos.

 

 

 

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